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Dan Flavin 的《untitled (to the “innovator” of Wheeling Peachblow)》通常标注为 1968 年，亦有资料将其起始构思追溯到 1966—1968 年；MoMA 收藏页将其题名、年份与媒介记录为“荧光灯与金属灯具”，尺寸约 245 × 244.3 × 14.5 厘米。相关资料还说明，这件作品的色彩来源于一种名为 “Wheeling Peachblow” 的维多利亚时期艺术玻璃，其效果与桃色、粉色、暖黄、乳白之间的柔和过渡有关。也就是说，这件作品从一开始就不是单纯“用灯发光”，而是在借助工业现成灯管，把一种带历史记忆的色彩经验转化为当代极简结构。

如果把这件作品放在“开放式模块”中分析，它的典型性非常强。因为 Flavin 并没有去塑造一个封闭体块，也没有把灯光收纳进某个完整外壳之中，而是让几支日光灯管直接沿墙角展开，使作品像一个开放的、可渗透的、没有实体中心的几何构成。开放式模块在这里的关键，不是“中空”这么简单，而是作品的边界并不由实体外壳决定，而由光线、墙角、观看角度和空间扩散共同决定。换句话说，作品的结构是开放的，它没有把空间排除在外，而是主动把周围墙面、角落和空气吸收进自身。MoMA 作品页与 LACMA 展览资料都强调，这件作品是“across a corner” 的，也就是跨越墙角展开；这正说明它的真正支撑不是底座，而是建筑空间本身。

这件作品最重要的地方，在于它把“模块”从传统雕塑中的实体单元，转化为“光的单元”。日光灯管本身是工业化、标准化、可重复的现成构件，每一支灯都像最基本的结构部件；但 Flavin 并没有把这些部件堆叠成封闭盒体，而是通过它们的并列、方向与色温关系，制造出一个向外扩散的开放系统。粉色、黄色与日光白彼此相邻时，会在观看中生成柔和的桃色气氛，而这层综合色并不是某根灯管“本身”的颜色，而是模块之间在空间中共同生成的效果。MoMA 明确指出，这件作品的调色来源于 Wheeling Peachblow 玻璃；David Zwirner、Glenstone 和 LACMA 也都记录了作品使用 daylight、yellow、pink fluorescent light。于是，开放式模块在这里不仅是结构的开放，也是色彩生成方式的开放：颜色不被封闭在材料表面，而在空间中流动、融合、扩散。

从形式上看，这件作品的高明之处在于极度克制。它几乎没有传统雕塑那种复杂造型，没有手工塑形痕迹，也没有中心式纪念碑结构；然而，一旦灯光被点亮，墙角就不再只是建筑的转折线，而变成了一个会发光的、会向外渗出的结构核心。因为灯具直接暴露，观者既能清楚地看到作品的构成方式，又会同时感到光已经超出了灯具本身，向墙面和周围空气蔓延。这样一来，实体与非实体的界限被弱化了：灯管是模块的“骨架”，但真正的作品经验却发生在骨架之外。也正因如此，Flavin 才能把最普通的现成工业部件转化为极强的空间事件。MoMA 与其相关展览页面都把这件作品归入绘画与雕塑部门，但它实际上已经超出了传统雕塑的封闭体积观，进入了一种以空间、光线和感知为核心的开放结构逻辑。

因此，从“开放式模块”的角度看，《untitled (to the “innovator” of Wheeling Peachblow)》最有启发性的地方，在于它证明了模块并不一定要靠实体边界成立。模块可以是开放的、可重复的、工业化的，但通过与建筑角落的关系、与光色的相互作用、与观者移动路径的联系，它仍然能够形成高度明确的秩序。这里的“开放”并不是随意，而是一种经过严格控制后的开放：灯管数量、方向、色温、角度和安装位置都非常精确，但最终结果却不是封闭物体，而是一个不断向空间释放影响的结构场。对今天的创作而言，这件作品尤其适合被理解为开放式模块的经典原型，因为它提示我们，真正现代的模块语言不一定意味着堆叠出更多体块，也可以通过最少的单元，让空间本身成为作品的一部分。Flavin 在这件作品中完成的，正是把开放模块从几何构件提升为空间感知系统。