E1-3. Tricia Strickfaden

Die amerikanische Künstlerin Tricia Strickfaden verwischt in ihren Werken die Grenzen zwischen Naturlandschaften und abstraktem Ausdruck durch ihr intuitives Einfangen von Licht und Schatten an der Küste und die physische Schichtung mehrerer Farben. Ihre Methoden, zusammen mit Arthur Dorvals geometrischer Überlagerung, eröffnen einen faszinierenden Dialog über das Thema “Farbe als Träger von Tiefe”, der sich von “rationaler Konstruktion” zu “sinnlichem Fluss” entwickelt.

Kreative Techniken: organische Schichtung und “archäologisches” Abschaben

Stricklands kreativer Ansatz ist ein visuelles Experiment über “Zeit und Abdeckung”. Ihre Produktionslogik ist kein vorgegebener Plan, sondern ein dynamischer Prozess des ständigen Entdeckens, Verbergens und Enthüllens.

Nass-in-Nass und Glasur: Stricklands Kerntechnik ist die “atmosphärische Schichtung” der Farbe. Oft trägt sie rasch große Farbflächen auf die Leinwand auf und nutzt das Ineinanderfließen der noch nassen Farbe, um die verschwommenen Grenzen von Nebel, Wasserdampf oder dem Meeresspiegel zu simulieren. Anschließend trägt sie verdünnte, transparente Schichten (Lasur) über die getrocknete Farbe auf. Diese Technik durchbricht die Monotonie der zweidimensionalen Fläche, indem sie Licht durch die oberste Farbschicht dringen lässt und die darunterliegende Textur erreicht. So entsteht eine durchscheinende visuelle Tiefe, ähnlich Dorvals “Farbinkubation”.
Physikalisches Abkratzen und Freilegen von Texturen (Markierungstechniken und Abkratzen): Ihr kreativer Prozess ist stark von Reduktion geprägt. Mit Spachteln, Gummischabern und sogar Schleifpapier schneidet und kratzt sie willkürlich dicke Farbschichten ab. Diese Methode löst die “Integrität” traditioneller Malerei auf und strebt stattdessen nach einer haptischen Tiefe, die an archäologische Ausgrabungen erinnert. Indem sie die oberste Schicht abkratzt und darunterliegende Komplementärfarben oder ursprüngliche Entwürfe freilegt, verleiht sie dem Gemälde einen Hauch von Geschichte. Diese Methode des “Vergrabens und Freilegens” verleiht den Rändern jedes geometrischen Farbblocks eine natürliche, unvollkommene Schönheit.
Abstrakte Rekonstruktion der Horizontlogik: Trotz des stark abstrakten Charakters ihrer Werke folgen die Kompositionen oft einem unsichtbaren “Horizont”. Sie nutzt große horizontale Farbflächen, um das Bild zu gliedern und die räumliche Spannung an der Grenze zwischen Ozean und Himmel zu simulieren, indem sie das “visuelle Gewicht” jedes Bereichs steuert. Diese Technik lenkt den Atemrhythmus des Betrachters und ermöglicht es dem Werk, innerhalb eines begrenzten Rahmens ein Gefühl unendlicher Landschaftsausdehnung zu vermitteln.

Stilistische Merkmale: Zeitgenössische Abstraktion einer Küstenlandschaft, Ruhe des Lichts und emotionale Farbbalance.

Strick Fadens Stil zeichnet sich durch eine leichte, ätherische und äußerst therapeutische Bildqualität aus, die Naturphänomene in reine geometrische Farben verwandelt.

Küstenatmosphärische Abstraktion: Ihr Stil ist eine direkte Interpretation des Lichts Südkaliforniens. Stilistische Merkmale zeigen sich in subtilen Tonwertveränderungen – etwa in den sanften Übergängen zwischen Türkis, Graublau, Sandgold und Nebelgrau. Diese stilistische Charakteristik macht das Werk zu einem “atmenden Fenster” zum Raum und spiegelt die tiefe Wahrnehmung der Künstlerin von der Natur wider.
Intuitives dynamisches Gleichgewicht: Stricklands Werk zeichnet sich durch ein starkes Gefühl für Ausgewogenheit aus. Sie verlässt sich nicht auf mathematische Symmetrie, sondern erzielt Stabilität durch die Proportionen von Farbhelligkeit und Fläche. So fügt sie beispielsweise in einem tiefen Blaugrün einen winzigen, leuchtend weißen oder korallenroten Fleck ein. Dieses Stilmittel verleiht kühlen, abstrakten Figuren Lebendigkeit und lässt das Bild sowohl stabil als auch voller Energie erscheinen.
Die Poetik der organischen Geometrie: Im Vergleich zu Dorvals strenger, kantiger Geometrie wirken Stricklands Formen weicher und anthropomorpher. Ihr Stil zeichnet sich durch die Verwischung der Grenzen von Rechtecken und Quadraten aus, wodurch diese an schmelzendes Eis oder sich auflösende Wolken erinnern. Dieser Stil strebt nach einer “unvollkommenen Ordnung” und bewahrt emotionale Pinselstriche innerhalb eines rationalen Kompositionsrahmens.

Verwendete Materialien: Kombination aus professionellem Acrylglas, großformatiger Leinwand und Industriewerkzeugen

Strickland bewies in ihrer Materialwahl ein tiefes Verständnis für die Eigenschaften von “schnell trocknenden Medien”, indem sie die Leinwand als physischen Behälter betrachtete, der das sich ständig verändernde Licht und den Schatten trägt.

Hochflexible Acrylpigmente und -additive: Sie verwendet vorwiegend Acrylfarben, die für ihre außergewöhnliche Transparenz und selbstnivellierende Eigenschaft bekannt sind. Durch die Zugabe von Verzögerern und Fließmodifikatoren kann sie die Trocknungsgeschwindigkeit der Farben steuern und so großflächige Farbverläufe erzielen. Diese Auftragsmethode verwandelt “industrielle Chemikalien” in ein “Lichtmedium” und gewährleistet, dass die Farben auch nach dem Schichten ihre hohe Reinheit behalten.
Große Leinwand und robustes Stativ: Strickland arbeitet bevorzugt auf großformatigen Leinwänden (120 x 120 cm oder größer). Dieses Material verstärkt die einhüllende Wirkung ihrer Werke. Um das Gewicht der vielen Farbschichten zu tragen, verwendet sie in der Regel dicke Baumwollleinwand und eine schwere Holzrückwand. Diese stabile Basis ermöglicht unbegrenzte Farbschichten und erzeugt so eine zweifache Textur, die mal so schwer wie Stein, mal so leicht wie Federn wirkt.
Experimente mit domänenübergreifenden Werkzeugen: Neben Pinseln verwendet sie häufig große Spachtel und Schwämme aus dem Baubereich. Dieser Materialeinsatz sprengt die Grenzen der detaillierten Darstellung und fördert die Entstehung zufälliger Texturen. Die Spuren dieser Werkzeuge – wie glatte Schlieren und raue, abstehende Partikel – bilden ein einzigartiges “taktiles Vokabular” in ihrer geometrisch-abstrakten Bildsprache.